Esta parece ser una puerta ordinaria en Florencia.
Pero no lo es.
El hombre que vivió aquí inventó el Renacimiento.
Ahí está. Giorgio Vasari.
El único interesado en observar a los querubínes.
Vasari fue un pintor, y como se puede ver,
no muy bueno.
Su obra carece de elegancia y gracia.
En una palabra, era torpe.
En realidad nació al final de este camino de aquí en Arezzo.
Pero como adolescente, era impresionable,
vino a Florencia engatusado a su manera
por la presencia del más grande artista de la ciudad, el divino Miguel Angel.
Durante el resto de su carrera, Vasari continuó siendo fanático de Miguel Angel.
Lo demuestra en su pintura
y lo más importante para nosotros,
lo demuestra en su escritura.
En 1550, Vasari publicó un libro,
muy especial,
que resultó ser el libro de arte más influyente jamás escrito.
Se llamaba "La Vida de los Más Eminentes Pintores, Escultores y Arquitectos"
aunque en esos días abreviaron el título a "La Vida de los Artistas".
Como primer libro de su clase,
la vida de Vasari establece la agenda para todos los libros de arte que siguieron.
En su interior, estaba lleno de las biografías
de los artistas que Vasari admiraba.
Y en el prólogo, por primera vez en el arte,
Vasari utiliza el término "rinascita"
para describir todo lo que pasa alrededor de él.
"Rinascita" es el término italiano para "renacimiento".
O, como lo llamamos ahora, Renacimiento.
Lo que dice Vasari en su famoso prefacio es que
bajo los antiguos Griegos y Romanos,
la civilización alcanzó su mayor grandeza
y las artes alcanzaron la perfección.
Luego vinieron los bárbaros que destruyeron todo
y las artes cayeron en la ruina.
Hasta llegar al tiempo en que vivió Vasari
aproximadamente entre los años 1400 and 1600
los datos son un poco vagos,
cuando sucede este gran "Rinascita", este renacimiento,
la civilización regresa a Italia.
Es la conmovedora historia del triunfo cultural.
Por desgracia, esto no es cierto.
La civilización no se perdió completamente durante un milenio y medio
y no renació repentinamente en la Italia renacentista.
El Renacimiento de Vasari simplemente es la creación de un nacionalista Florentino,
que animaba a su propio equipo
a salir al encuentro de la civilización.
Pero si el renacimiento trascendental no ocurrió,
¿Qué se hizo?
Esta es Padua,
y esa es la famosa estatua ecuestre
del mercenario Gattamelata de Donatello.
Ahora bien, esta se esculpió alrededor del año 1450 y según Vasari,
fue la primera gran estatua del Renacimiento,
era la primera vez en que un artista del Renacimiento igualaba
los logros de los antiguos.
¿Pero realmente lo fue?
Si nos dirigimos hacia el norte de Padua, fuera de Italia,
entramos en la tierra de los bárbaros,
o como los llamamos hoy en día, los alemanes,
allí vamos a encontrar un diferente argumento.
Los pobrecitos Alemanes, apenas reciben una mención de Vasari.
Pero en el mundo real, sus logros artísticos fueron enormes.
A esta estatua de piedra aquí se la llamó el Caballero de Bamberg.
Es de tamaño natural y se la hizo aquí en Alemania en torno a 1220.
Así que por dos siglos y medio más o menos
antes del Gattamelata de Donatello
El Caballero de Bamberg no fue mencionado por Vasari,
y cuando usted realmente lo encuentra por casualidad en los libros,
él es invariablemente desestimado como una pieza del arte Gotico,
algo más primitivo.
Pero eso no es lo que veo ahí.
Veo una notable pieza de talla ecuestre.
Mira el detalle de la ropa, el cabello,
la musculatura del caballo.
No es una bestia de bronce cabalgada por
un guerrero de bronce.
Esta es algo más modesta, menos heroica.
Los caballos son reales, montados por gente real.
El hecho es que cuando Vasari ignoró al Norte en su historia
del Renacimiento, ignoró algunos de los desarrollos claves del arte.
Así pues, en esta serie, estarémos mirando a Leonardo da Vinci.
Y al divino Miguel Ángel de Vasari.
Y a las Venus de Botticelli.
Todos los italianos favoritos de Vasari también serán considerados, pero no áun.
No antes de tiempo.
En primer lugar, hay que ponerse al día con el furioso progreso
que se está realizando en este caldero burbujeante
de la creatividad del Renacimiento...
Brujas.
¡Ah, Brujas!
En estos días, están tan bonita y bien conservadas.
Es difícil imaginar lo que es una, vanguardia frenética,
este era el pueblo del Salvaje Oeste
en los primeros días del Renacimiento.
Si alguna vez en la Stadtbibliothek en Berlín,
pides ver el manuscrito de Anthony de Burgundy
y lo abres en el Folio 244.
Te muestra lo que pasaba en las casas de baño en Brujas
alrededor del año 1400 cuando los hombres de negocios estaban en la ciudad.
A la derecha, los baños.
A la izquierda, las camas.
Todos esos tipos en los baños públicos,
eran hombres de negocio que viajaban, comerciantes de ropa, fabricas.
Eso es lo que hizo a esta ciudad rica.
Y ellos lo hacían aquí, en el Salón de las Telas en Brujas.
En su mejor momento, hubo 400 puestos apretujados,
vendiendo ropa de todo el mundo.
Y si quieres saber como estas fabulosas telas lucían,
están registradas en un primer plano espectacular
en el arte del Renacimiento de Flandes.
Por lo que todos estos comerciantes
eran de España, Polonia, Rusia, Inglaterra y entre ellos, un italiano,
Lo sabemos muy bien,
porque su cara es una de las más memorables en el arte del Renacimiento.
Ah, sí. El Matrimonio de Arnolfini, por Jan van Eyck.
Y ahí está Giovanni Arnolfini, rico comerciante en telas
de Lucca, prometiendo su fidelidad a la hermosa señora Arnolfini.
Exactamente lo que están prometiendo
ha sido sujeto de mucha controversia,
la que no voy a añadir aquí.
Lo que quiero es discutir algo mucho más importante
lo que los Arnolfini están usando.
Empecemos con la Sra. Arnolfini.
Ahora, ella está usando un vestido verde voluminoso
hecho de la especialidad de Brujas, la lana.
Como este atuendo, aquí.
Esta lana fue importada de Inglaterra,
luego tejida por famosos tejedores flamencos.
En la pintura, el vestido se ve bastante voluminoso.
Es porque está forrado con piel.
Si se fijan bien en los bordes,
verán este pelaje blanco.
En realidad es piel...
..de una de estas,
ardillas rojas.
Y no cualquier pedazo de piel, sino de esta de aquí.
El pedazo blanco, el de mayor pureza,
lo que ellos llaman minever,
se habría necesitado alrededor de 2,000 ardillas
para forrar el vestido de la Sra Arnolfini.
Así que cuando nos fijamos en ella de nuevo, en la Galería Nacional de Londres,
tratemos de olvidar que ella en realidad llevaba 2.000 ardillas muertas.
En cuanto a su tocado, que parece tan complicado, es sólo una pieza
de lino blanco, como esta, que ha sido doblada más de cinco veces
y luego se usa en la cabeza, en donde se sujeta con alfileres.
Así que esa es la señora Arnolfini.
Pero ¿qué pasa con él? Bueno, él está usando ...
..estas. Martas Pine martens,
importadas de los bosques de Polonia y Rusia, muy costosas,
la segunda piel más cara después de la cibelina,
y la túnica de Arnolfini habría requerido 100 de estas.
Así que aquí hay mucho dinero.
En la parte superior de la piel, hay un terciopelo púrpura oscuro
que fue probablemente importado de Lucca, la ciudad natal de Arnolfini,
en donde se confeccionó el mejor terciopelo.
Pero lo más importante que él usa, creo que es su sombrero.
Ese enorme, tambaleante sombrero de copa,
que parece demasiado grande para él.
En realidad está hecho de paja teñida de negro,
es una especie de moda de navegante del Renacimiento
que todo el mundo usaba en 1432.
Muy ligero, práctico, y como se puede ver, favorecedor.
Fíjense bien en el sombrero de van Eyck y todo se aclara
en el detalle microscópico, casi mágico
que era la marca registrada de van Eyck.
30 años antes del nacimiento de Leonardo...
..50 años antes que Miguel Angel naciera,
los artistas de Brujas ya veían claramente esto.
Lo que estaba ocurriendo aquí en los primeros años del siglo 15
era nada menos que una revolución pictórica.
Una nueva manera de ver y de pintar.
Y su claridad, su precisión,
estaba lejos de algo que hubiese sucedido en Italia en esa época.
Pero esa no es la manera cómo la historia ve el arte.
Desde Vasari, hasta hace muy poco,
estos primeros maestros de Brujas y Flandes han sido despreciados,
¿sabe usted como los llaman en los libros de historia del arte?
Estos, es como ellos los llaman
A la espalda del Matrimonio de Arnolfini, en la parte alta de la pared,
hay uno de estos espejos convexos.
Estos espejos convexos aparecen en el arte flamenco
de varias maneras y por varias razónes.
En el Matrimonio de Arnolfini,
van Eyck lo usa para pasar de contrabando un autorretrato.
Ahora, si le pido a nuestro guapo camarógrafo Matt que pase hacia el espejo
y lo filme, verán su reflejo en el cristal.
Y exactamente de la misma manera, lo utilizó van Eyck para mostrarse a sí mismo
y a una misteriosa segunda figura, como si estuvieran,
en el frente con los Arnolfinis.
Sin embargo, otros artistas flamencos los utilizaron de diferentes maneras.
Cuando Quentin Matsys puso uno sobre la mesa utilizada por un cambista
y su esposa, era para su protección.
En Flandes, los banqueros los utilizaban para vigilar las esquinas
y estar seguros de que nadie se les acercase sigilosamente.
Son como esos espejos cuando te subes al subterráneo de Londres
están situados en los pasillos para que puedas ver si algo se acerca ...
..del otro lado.
Curiosamente, aquí en Brujas, el gremio de los fabricantes de espejos
era el mismo gremio, que el de San Lucas,
al cual pertenecían los pintores.
San Lucas era en realidad el patrón de los pintores
al que a menudo veías en el arte del Renacimiento, presentado como un artista
que dibuja a la Madonna, imaginando lo inimaginable.
Con San Lucas de su lado,
los pintores de brujas estaban cambiando lo que el arte hacía...
..y cómo lo hacía.
Esta es la Virgen de Joris van der Paele, como se le llama,
pintada por van Eyck de nuevo en 1436
y es otra milagrosa hazaña de la observación.
Mira las túnicas que San Donaciano a la izquierda está usando,
su cruz, su mitra.
O, en el otro lado, los preciosos reflejos en la armadura de San Jorge.
¡Y mira!
Allí está van Eyck de nuevo,
inquietando en el cuadro con su secreta presencia.
Ahora, al ver claramente esto,
tampoco necesitas la vista eso es milagrosamente bueno, o...
..necesitas estos.
Joris van der Paele,
quién encargó esta gran imagen de devoción de van Eyck,
ha estado usando sus gafas para ayudarle a leer sus oraciones.
"Joris" es el término holandés para "Jorge"
y por eso San Jorge
presenta su patrón a la Vírgen
y se asegura de que él lea sus oraciones,
aun cuando sus viejos ojos no vean mucho.
Ahora, las gafas no fueron en realidad inventadas en Brujas, en la década de 1400
Fueron inventadas en Italia un siglo antes, específicamente en Pisa.
Y si se examinan las caras más antiguas en el arte del Renacimiento,
verás un par de especificaciones que aparecen bastante a menudo.
En ocasiones en sitios inesperados.
Unas son pintadas, unos son talladas, otras son para ver a Dios,
otras para ver el dinero.
Hieronymus Bosch, el gran comerciante Flamenco,
se las ingenió para encontrar un par estando apoyadas en el infierno.
Ahora, aunque las gafas han estado en todos lados
durante la mayor parte del siglo,
fue en Flandes en la época de van Eyck,
a principios del siglo 15, que se perfeccionó el arte de las lentes
y se dieron grandes pasos en la forma de ver.
Por desgracia, no puedo decir exactamente cómo
estas nuevas lentes
y estas nueva ampliaciónes fueron usadas en Brujas.
Los artistas flamencos eran muy reservado al respecto.
En estos días, es un tema controvertido.
Pero cuando se mira en los pequeños detalles
embutidos en el milagroso arte del Renacimiento,
seguro fue necesaria un poco de ayuda.
Déjeme ponerlo de esta manera
durante los primeros milenios del arte occidental,
ningún artista nació con una suficientemente buena visión
para registrar la realidad tan claramente como fue grabada aquí en Flandes,
o después de estos primeros milenios,
algo ocurrió aquí que hizo posible, finalmente,
el ver las cosas de una manera más clara.
Sé cuál es la versión en que creo.
No sé si has visto esa mala película de George Clooney
Monumentos a los Hombres.
Pues bien, esta fue la pintura
que tratataron de robarle a los Nazis.
Es el mayor logro de van Eyck El Altar de Gante,
una pieza maestra de espectacular complejidad y misteriosa ambición,
con tantas cosas que pasan en ella y este extraño Dios
que surge en el centro, como un todo poderoso potentado Oriental.
El espejo hace una secreta aparición aquí también, en cierto modo.
¿Ves a la Vírgen María sentada a la derecha de Dios?
Mira la escritura sobre la banda.
Está en Latin, pero puedes descifrar el primer pedazo
"speculum sine".
y si puedes ver por debajo de este magnífico trozo de tela,
continuaría con "macula".
"Speculum sine macula" que significa el espejo inmaculado.
Es una cita de la Biblia, del Libro de la Sabiduría.
María, que nació sin pecado,
está siendo comparada con uno de estos Speculum sine macula.
Y así es como van Eyck la pinta a ella también,
como una visión de intachable perfección femenina.
Al igual que con el arte flamenco,
el Altar de Gante es muy confuso a primera vista.
Esta es un réplica manual que permanece en la Catedral de Gante.
Pero incluso esto es un desafío.
La verdadera está situada, detrás de un vidrio a prueba de balas
en una capilla oscura en la parte trasera, donde incluso los nazis no pueden robarla de nuevo
y donde se ve ante nosotros
como un desalentador risco de un denso simbolismo flamenco.
Pero eso es sólo desde la distancia,
porque la verdadera alegría del retablo de Gante,
la verdadera alegría de todo el arte de Van Eyck
es el acercarse para ver los detalles.
♪ Il dolcissimo Signore... ♪
Cuando presionas la nariz contra un van Eyck,
cesa la confusión y todo se vuelve intoxicante.
Los botánicos han identificado 42 especies diferentes de plantas
pintadas con precisión en el altar de Gante.
¿Y ven ese delicioso paisaje en la parte de atrás?
Se supone sea la Nueva Jerusalem,
como se describió en la Biblia el fin del mundo.
Pero se parece mucho a Flandes, ¿verdad?
Brujas se hizo bíblica.
Toda esta realidad perfectamente registrada,
tan brillante que de verdad es inventó del arte flamenco,
no es una realidad por el bien de ella.
No está tratando de engañar a nadie.
Esta realidad es como una poderosa nueva arma de convicción.
Van Eyck pasa de contrabando grandes verdades religiosas
en la vida cotidiana de Flandes,
haciendolos tangibles, y trayéndolos más cerca.
Este es el arte que tiene que prever las cosas
que nunca han sido previstas antes.
Lo que es una fiesta de la invención.
Entonces, ¿cómo se hizo? Para ver eso, tenemos que llegar aún más cerca.
Normalmente, no se puede estar más cerca de la obra maestra de Van Eyck.
Pero este no es ningún viejo programa de artes.
Este es el Renacimiento Desencadenado de la BBC, por lo que he logrado
organizar un tipo de acceso exclusivo al retablo de Gante.
Ni siquiera George Clooney podría conseguir lo que vamos a conseguir.
En un momento, vamos a ir allí,
donde están restaurando algunos de los paneles del altar de Gante
y vamos a conseguir estar muy cerca de Van Eyck
y ver exactamente cómo lo hace.
Pero primero, quiero mostrarles a alguien.
Se trata de Filippo Lippi, pintor de Florencia muy querido por Vasari,
y esta es una escena de la vida de San Benito, pintada en torno a 1450.
Así que eso es más o menos 20 años después del retablo de Gante.
Ahora, este no fue pintado al oleo, que era lo que van Eyck usó.
Fue pintada en egg tempera,
el medio preferido a principios en la Italia del Renacimiento.
Se trata básicamente de una acuarela a la cual se le agregan yemas de huevo
para mantener juntos los pigmentos
y se secan rápidamente dando estos fabulosos colores brillantes.
¡Es un rosa precioso!
Así que es la tempera por aquí...
..pero aquí está la Anunciación de Van Eyck.
Por lo tanto este es el Angel San Gabriel diciendole a la Vírgen María
que ella le va a dar nacimiento a Jesús
y este cuadro fue pintado 20 años antes del de Filippo Lippi,
pero miren cómo van Eyck capta los tejidos.
Mira lo que el Angel usa.
Y compáralo con esto...
..con esto.
Miremos como se hace la ropa en el de Filippo Lippi
o estas plantas por aquí.
Comparen esas...
..con las plantas de van Eyck,
estos hermosos lirios blancos,
que, al igual que el espejo inmaculado,
simbolizan la pureza de la Virgen María.
Es un mundo diferente, ¿verdad?
Y, críticamente hablando, una técnica diferente.
Vasari nos dice que van Eyck inventó la pintura al óleo
y eso no es cierto.
Ya se usaba en Afganistán en el siglo VII,
en el arte Budista.
Pero él las dominó como nadie lo había hecho antes,
las utilizó con extraordinaria habilidad
y estas pinturas al óleo,
junto con estos lentes y gafas,
que hicieron posible al arte Flamenco.
Y aquí dentro, han estado restaurando panel tras panel de van Eyck,
esta es una gran oportunidad para ver cómo se hace todo.
Toda la restauración del Retablo de Gante,
este es un proyecto grande y comienza por los paneles de las alas exteriores,
que actualmente estamos trabajando.
Ya hemos quitado los barnices desvanecidos y descolorizados,
ahora estamos en el proceso
de eliminar toda la sobrepintura,
por lo tanto estamos raspando las adiciones posteriores
para descubrir la intención original del artista.
Y la pueden ver muy bien allí, todo lo de color marrón oscuro y,
los verdes, son barnices sucios que hemos dejado
para mostrar a la gente, y este que hay debajo es el color original.
Así que hay un color blanco brillante por debajo de los barnices,
oscuros y descoloridos. Son muy vívidos.
Los ves, claramente allí.
El blanco ha salido como un blanco Persil, hermoso.
Al mirar al ángel, lo que me sorprende es, como lo has dicho,
son los colores brillantes,
Este bello color verde proviene de las alas del angel.
Sí, después de limpiarlas, son más brillantes y,
y sobre todo el verde resalta a la vista.
Pero lo más importante, es que tiene un efecto
sobre la profundidad de campo porque no sólo los colores,
creo que son, como dije, poco saturados,
pero una vez que empezamos a despegar el primer barniz
y luego la sobre pintura, sientes como si estuvieras en el cuarto de nuevo.
Te ves arrastrado dentro del cuadro y al efecto de la tercera dimensión.
Creo que es la experiencia de estar allí en ese espacio.
Entonces, ¿qué más se puede hacer con estas nuevas excitantes pinturas?
Una de las cosas que pude registrar más claramente fue a la gente.
En Flandes, los grandes artistas del Renacimiento en el Norte
empezaron haciendo imortales a sus contemporáneos.
Nosotros, no habíamos visto los rostros de una forma tan tangible en el arte de antes.
Este aspecto feróz parecido al de Vladimir Putin
es del Canciller Rolin, que mira con una feróz determinación
a través de uno de los mejores paisajes de van Eyck.
Y dicen que este es el mismo van Eyck con un gran turbante rojo
y con sus conmovedoras patas de gallo alrededor de los ojos.
Hubo mucha invención, también,
sobre este emocionante retrato flamenco.
Este es el Sint-Janshospitaal En brujas
y está lleno de la obra de Hans Memling,
un maestro de Brujas particularmente bueno en los retratos.
Memling fue un maestro de la pintura en el difícil tema de los hombres jovenes,
que no tienen carácter, ni arrugas o alguna flacidéz.
Este hombre aquí es Maarten van Nieuwenhove
y esta es una pintura en dos partes o díptico,
pintada en 1487 y es muy inteligente.
Maarten van Nieuwenhove está en una mesa de oración.
Mira que hermoso color púrpura el del jubón de terciopelo que lleva puesto,
comprado a los Arnolfini, tal vez.
Y en la otra mitad, la Virgen María y Jesús,
notablemente menos realistas y los objetos de la oración de Maarten.
Entonces él les está rezando,
pero - y esto es lo brillante - ambos están en la misma habitación.
Este espacio y ese espacio están uno junto a otro.
Miren la mesa aquí.
También va a través de ambos cuadros.
Y vean como la vestimenta de María fluye de la parte inferior,
y un pedazo entra en la de Maarten van Nieuwenhove
e incluso se superpone un poco sobre el marco.
Así que, esta es una mezcla maravillosa de realidad, en la espalda
hay una ganancia Flamenca típica.
Mira - un espejo convexo y reflejado en el, María y Maarten
de espaldas y de lado, sentados alrededor de la misma mesa.
Este es el arte capaz de pintar milagros.
En las manos de los artistas flamencos,
la realidad se convirtió en un arma tan poderosa en el arsenal del artista,
como ellos lo llaman.
Cuando Vasari escribió la historia del Renacimiento en el Norte,
él implantó 500 años de prejuicio en los anales del arte.
Otras pinturas al oleo fueron especialmente buenas al capturar
las texturas. ¡Oh, Dios mío, ellos eran buenos en las texturas!
En particular, los artistas del Renacimiento del Norte
se divertían con las armaduras.
Y esto era útil porque uno de los santos
que aparece con más frecuencia en su arte
pintado en las bellas armaduras, es San Jorge
Sabes, cada vez que veo a San Jorge adoptado como símbolo nacionalista
por la facción del ala derecha Inglesa, por ejemplo,
siempre me hace reir, porque él en realidad era un turco de origen griego
quien había nacido en Palestina cerca de Tel Aviv
quien sirvió en el ejercito Romano.
Así que todos esos cabezas rapadas
que han conseguido tatuarse a San Jorge en su frente,
lo que están promoviendo activamente
es la unidad Turca, Griega, Palestina, Romana y Judía.
¡Bien hecho, muchachos!
San Jorge era popular porque salvó a una princesa de un dragón
y eso lo convirtió en un símbolo de salvación Cristiano
y un reto apasionante para las nuevas pinturas al oleo.
Las nuevas pinturas transforman la armadura en un delicado espejo de metal
sobre el cual con la luz se pueden hacer juegos sofisticados.
Además de fomentar todo esta emocionante investigación de la luz
y su simbolismo, la historia de San Jorge hizo algo más
para poner el arte del Renacimiento fuera de su zona de confort
y enviarlo a las nuevas areas oscuras de la imaginación.
Obligado a imaginar las terribles bestias
que San Jorge tuvo que matar,
el arte del Renacimiento dió un paso en nuevos territorios oscuros.
Y no sólo en Flandes.
De regreso a Italia, ese extraño pintor de Ferrara Cosimo Tura
reubicó a San Jorge en lo que parece ser otro planeta.
Así que la historia de San Jorge empujó el arte del Renacimiento
hacia estas nuevas áreas oscuras.
Y eso no fue todo. También hizo lo necesario
para abordar el combate y el movimiento
que tuvieron un especial y fuerte impacto en la escultura.
Creo que esto es lo mejor del San Jorge del norte.
Ciertamente es lo más espectacular.
Probablmente ustedes no han oído de él porque está en Estolmo Suecia
en la iglesia de San Nicolás.
¡Que cosa!
Es más grande que el de tamaño natural, tallado en madera
con una habilidad impresionante. El drama y los detalles son horrorosos.
Trozos de cuerpo desmembrados desparramados por el pedestal.
Dragones bebés que asoman la cabeza fuera de la tierra,
esperando ser asesinados.
Y luego, en un detalle renacentista,
este dragón bisexual está tan traumatizado
por el poderoso arpón de San Jorge que ha vaciado sus intestinos con el miedo.
Este fue hecho por un escultor Alemán llamado Bernt Notke en 1487
cuando Miguel Angel aún era un adsolescente.
Ahora, Bernt Notke no está en Vasari, por supuesto,
porque este es un renacimiento
que obviamente no está tratando de citar a los Griegos o a los Romanos.
Es un renacimiento que es una bofetada en la cara
con la acción, el drama y la oscuridad.
No hay nada italiano al respecto, es verdad.
Pero ¿por qué lo hace eso un logro menor?
Las fantasías locas del Renacimiento del Norte
no se detuvieron con los dragones.
Cuando el arte se armó con la pintura al óleo,
se armó con el poder para hacer algo real.
Se supone realmente que esta era -
la mítica fuente de la juventud,
donde vas viejo y sales joven.
Ahora, así tú no creas en la fuente de la juventud,
hay un montón de gente del renacimiento que sí lo hizo.
Así fue como Lucas Cranach, genio del Renacimiento alemán,
previó sus maravillosos efectos.
La leyenda cuenta que un conquistador español llamado Ponce de Leon,
que había sido enviado a descubrir a América,
llegó aquí a la Florida en 1513
y descubrio que no era un mito,
la Fuente de la Juventud realmente existió.
En la delirante obra maestra de Cranach,
todas los Joan Collinses en la aldea se habían,
sumergido en estas especiales aguas
y habían vuelto a ser las chicas de San Trinian.
Puede que haya dejado de funcionar.
De todos modos, aquí estamos en el Renacimiento,
este gran renacimiento del conocimiento antiguo,
pero todas las viejas leyendas, supersticiones y mitos
ejercieron un poderoso efecto
en la imaginación artística.
Disfrutar de Lucas Cranach es como visitar un campamento de la naturaleza alemana.
Existen muchos desnudos retozando sobre sus imágenes.
Algunas de ellas son Lucrecias.
Otras son las Venus.
Pero a todas ellas las sientes, están aquí
porque Cranach entendió la tentación
y tenía razones personales para advertirnos de sus peligros.
Quizás es por eso que él es tan perspicaz para pintar a Adán y Eva.
Ahora, la historia de Adán y Eva,
el primer hombre y la primera mujer cometiendo el primer pecado,
es la única historia en la Biblia que obligó a los pintores a pintar desnudos.
No hay otra manera de hacerlo.
La ropa, después de todo, no se había inventado todavía.
Puestos en libertad en el paraíso en sus trajes naturales,
Adán y Eva dieron al arte del Renacimiento una perfecta excusa bíblica
para representar la tentadora desnudez humana.
De acuerdo con la Biblia,
el crimen de Eva fue el de recoger el conocimiento del fruto del árbol prohibido...
...para tentar a Adán con el
pero creo que todos sabemos lo que pasó realmente en el paraíso
cuando el primer hombre desnudo se reunió con la primera mujer desnuda.
Pero todos estos Adánes y Evas del Renacimiento
no estaban allí por razónes eróticas.
Hubo otras fuerzas en el trabajo del arte en esa época
y aquella que siempre ha sido olvidada, aunque no se debiera, es la geografía.
No solo la Fuente de la Juventud
que fue descubierta ahora.
Igual el paraíso.
Es la historia contada gloriosamente por el arte del renacimiento
que ha sido injustamente ignorado
en el mapa del gran arte.
en estos días, estamos hastiados de mapas, pero en la época del renacimiento,
los mapas fueron creaciones extraordinarias con un enorme significado cosmico.
No puedo pensar en muchas cosas
que hubieran sido más difíciles para hacer que estas
el llamado Mapa de Fra Mauro,
hecho en Venecia alrededor del año de 1450 por un monje Veneciano.
En aquellos días, el norte era el sur y el sur se encontraba al norte
así que el mundo estaba al revés.
Es exquisito, ¿verdad?
La gloriosa imaginación de un nuevo glorioso mundo.
Pero, curiosamente aquí, hay algo perdido
un pequeño lugar llamado America, el cual aún no había sido descubierto
Así que el primer mapa del renacimiento con America en él
es este Mapa del Mundo de Waldseemuller del año 1507.
América está allí,
o como la mayoría de ellos la llamaban en aquellos días "terra incognita".
Cuando Colón descubró a America en 1492,
él no solo cambio la historia,
cambió el arte y particularmente la historia de Adán y Eva.
Su pintura siempre ha desencadenado poderosas culpas y preocupaciones.
Algunas de las pinturas más ansiosas del Renacimiento
son las representaciones del primer hombre y de la primera mujer.
Y hasta en el techo de la Sixtina,
Miguel Angel nos las ha dejado sin ninguna duda
en cuanto consecuencias terribles del primer pecado.
Pero estas aún eran ansiedades teóricas,
imaginaciones distantes de distantes acontecimientos biblicos.
Cuando Colón descubrio a America, eso cambió.
No sólo la fuente de la juventud se presentó en la Florida.
Al conocerse la noticia comenzó a filtrarse por Europa
el extraño nuevo mundo descubierto por Colón.
La mente del renacimiento comenzó a reunirlos poniendolos juntos de dos en dos
y el Paraíso mismo repentinamente tuvo una ubicación.
Este es El Jardin de las Delicias de Hieronymus Bosch,
una pintura sobre el pecado y sus terribles consecuencias
y miren debajo de qué Adán y Eva están pecando,
un árbol dragón, la elección tropical suculenta de Satanás.
El paraíso ya no era teórico.
Colón lo había encontrado y esa era una mala noticia,
porque de acuerdo con las escrituras,
el hombre y la mujer solo regresan al Paraiso
después del Día del Juicio final, el último de todos los días.
Cuando Colón descubrió a America,
él puso en movimiento una cuenta regresiva hacia el final del mundo.
Una era menos supersticiosa se habría reído un poco,
pero el Renacimiento realmente no era de esas.
Más tarde en esta serie,
nos ocuparemos en profundidad de Hieronymus Bosch.
Por ahora, todo lo que pido es que sienta su ansiedad,
la ansiedad de su tiempo.
En momentos como estos, de profunda desesperación del Renacimiento,
volver al mayor talento de la era debería ser un alivio.
Pero en este caso, no lo es,
porque Alberto Durero, el más grande pintor Alemán del Renacimiento,
era un caldero de ansiedades, no un calmante de ellas..
Durero vivió en esta casa en Nuremberg.
Ha sido guardada exactamente como él la dejó, como una especie de lugar santo
porque Durero se aseguró de una cosa desde el principio,
que todo el mundo supiera cuan grande era.
Si repartieran medallas para la arrogancia,
Durero tendría un estante lleno.
Nació en Nuremberg en 1471,
él fue tan bueno en corto tiempo
que, a la edad de 13 años, él dibujó esto
un autorretrato como genio adolescente.
Durero inventó el autoretrato artístico.
Otros artistas se habían pintado a sí mismos en sus cuadros antes,
pero nadie como él se ha convertido en protagonista de su propio arte.
Aquí está él a los 22 años,
disfrutando muchísimo su propio apostura de renacimiento
y mirenlo, a los 26, se puso su mejor ropa de dandy
y se amó mucho más.
Y entonces, en 1500,
en un momento trascendental de la perdida de la modestia humana durante el Renacimiento,
a los 29 años de edad, Alberto Durero
se comparó a sí mismo con cristo.
En todo el arte de Durero,
lo encontramos a él como centro de todas las tramas.
Incluso se ve en sus retablos.
en esta bulliciosa crucifixión en Viena,
¿quién está detrás de la multitud?
Oh, mira, es Durero.
¿Y quién se invitó a sí mismo a unirse a la Virgen María
y a Cristo en esta arruinada obra maestra en Praga?
¿Quién crees que es?
A mis ojos, los retablos de Durero no son tan exitosos
como a él le gustaría que nosotros creyeramos.
El no pudo darle esplendor o grandeza emocional.
Durero mejora cuando es menos arrogante.
Sus retratos, por ejemplo, a menudo traspasan,
como con esta representación divina de una muchacha de Venecia.
Es como si no pudiera trabajar con un cepillo grande, solamente con uno pequeño.
Un montón de pequeñas cosas que se combinan para crear la imagen final.
Es un talento que se convierte en útil
aquí en su taller de impresión.
Es una creencia muy extendida en el arte
que Durero fue el más grande de todos los grabadores.
Ciertamente fue uno de los más ocupados
y tuvieron tanto exito sus impresos que acrecentaron su fama
de la cual se hizo eco Vasari que le llevó a escribir un capítulo sobre él.
Todo mundo conoce la Melencolía de Durero
es probablemente el más famoso grabado jamás hecho,
una misteriosa figura rodeada
por todo ese disperso conocimiento del renacimiento y la ansiedad por él.
Muchas personas han sugerido que la Melencolia
es otro autorretrato disfrazado
y estoy preparado para creer eso.
Porque, por lo que puedo ver,
Durero nunca dejó pasar la oportunidad de ponerse él mismo en su arte.
Pero, sabes, no fue en realidad un grabado de Durero
el que finalmente me convenció de su genio
o su retablos o incluso aquellos extraordinarios retratos suyos.
El día que me dejó sin aliento y que finalmente despejó todas mis dudas ...
..fue el día que vi sus acuarelas.
La Albertina de Viena tiene una colección de ellos
que sólo se presenta cada par de décadas.
Si estás vivo para tal ocasión, ve allí.
Esta es la famosa Liebre de Durero, tirada tímidamente antes de nosotros.
Y las alas de un ave, de un colorido fresco y brillante,
que podría haber volado a través del cielo ayer.
El creía que era el elegido de Dios
y en un momento como este,
usted se encuentra creyéndole.
Ese es el renacimiento del Norte, una época de sorprendente invención.
Nos dieron el óleo.
Nos dieron la óptica.
Nos dieron la verdad.
En el próximo capítulo, estoy de nuevo en dirección hacia el sur.
Si Vasari tiene errado el Norte del Renacimiento,
¿qué hizo que tambien malinterpretara el Renacimiento de Italia?